Prix lacritique.org 2026 du Salon Réalités Nouvelles
Étrange l’attraction que peut susciter au premier regard une œuvre accrochée parmi d’autres. Exposée non loin des recherches art et sciences, elle n’en a ni le performatif ni la réduction formaliste. Titrée « Untitled », elle dénonce une technique peu usitée dans un salon consacré à peinture et sculpture, « élecrophotographie sur papier ». L’œuvre carrée de 84 cm de côté est imprimée sur une machine réservée aux plans d’architecture et partiellement pliée. La signature est attribuée à l’Atelier Angel Karagiozov studio qui développe la recherche et l’innovation dans les processus numériques, notamment l’infographie et autres applications graphiques.
Né en 1978 à Varna en Bulgarie près de la Mer Noire, Angel Karagiozov a été étudiant à l’Université des Arts Appliqués de Vienne, à la fin des années 90. Intéressé à la création de site web il a commencé avec Photoshop. Puis Macromedia Flash et Director Shockwave l’ont conquis. JavaScript l’obsédait… Quant aux outils il s’agissait de Macintosh, d’abord sur un vieux Power Mac G3 avec une puce Motorola. Toujours un peu à la croisée des chemins entre l’art et l’ingénierie pure et dure, il ironise sur ce choix technologique Mac comme nostalgie des années 90…
Si l’œuvre présentée pour Réalités Nouvelles relève de l’art génératif, il développe un système qui utilise des algorithmes bien connus en géométrie, des automates cellulaires, des fractales, des générateurs de bruit(noise), etc. Ceux-ci peuvent être contrôlés par différents paramètres afin de créer des images exportables en PNG (pixel-perfect) ou en SVG (image vectorielle redimensionnable), selon les besoins.
Contrairement à l’idée de l’art génératif contemporain (tel qu’on peut le découvrir dans sa diversité sur https://www.artblocks.io/) où tout le processus est dirigé par le code il utilise une approche hybride. Il se sert de son système pour créer des éléments graphiques (assets) qu’il combine ensuite à la main.
Il produit aussi des dépôts GitHub (ou repository en anglais) inachevés mais au stade de prototypes fonctionnels, ces espaces de stockage centralisés en ligne où est conservé un projet informatique, ses fichiers et l’historique complet de toutes les modifications apportées au code. Le conteneur du projet regroupe le code source, les images, les scripts et les fichiers de configuration nécessaires à la réalisation. Grâce au système de suivi Git, chaque modification ou ajout est enregistré, permettant de revenir en arrière si besoin.
Pour démêler la complexité de ces approches technologiques j’ai voulu laisser la parole à l’artiste en réponse à deux questions liées à sa présence dans le Salon.
CG Le Salon comporte une majorité de peintres et de sculpteurs abstraits en quoi vos pratiques personnelles de l’art génératif constituent elles un renouveau contemporain de cette esthétique ?
AK Le Salon Réalités Nouvelles entretient un lien historique profond avec l’art génératif, bien avant l’ère de l’ordinateur personnel, et même dès les origines de ce mouvement.
Il est impossible de ne pas évoquer Victor Vasarely, créateur de l’OP Art, qui participe à la toute première édition du Salon en 1946, en collaboration avec la Galerie Denise René. Il continue ensuite à y présenter régulièrement ses œuvres abstraites et géométriques, notamment en 1947, année où le Salon rend hommage à Kazimir Malevitch.
Bien qu’il n’ait jamais utilisé personnellement d’ordinateur, Vasarely qualifiait ses œuvres de « programmes ». Ses systèmes visuels modulaires constituaient, dans les faits, de véritables structures algorithmiques et sont largement considérés comme des précurseurs de l’image numérique générée par ordinateur. Son importance pour l’histoire de l’art génératif tient notamment au fait qu’il concevait l’œuvre comme le résultat d’un système visuel, plutôt que comme une composition unique réalisée entièrement à la main.
Une autre figure importante est l’artiste d’origine hongroise Vera Molnár, qui participe régulièrement au Salon entre 1950 et 1980. Elle est une pionnière incontestable de l’art généré par ordinateur. Elle travaille notamment avec le langage FORTRAN, les algorithmes, les règles, le hasard et le dessin assisté par ordinateur. Son nom est incontournable dans toute conférence ou étude consacrée à l’histoire de l’art généré par ordinateur.
Manfred Mohr constitue un autre lien essentiel. Figure majeure de l’art fondé sur les logiciels, il vit à Paris entre 1963 et 1983 et évolue dans le milieu artistique abstrait et géométrique parisien. Son travail explore les algorithmes, les cubes, les hypercubes et les systèmes formels régis par des règles.
On pourrait également citer Miguel Ángel Vidal, qui participe activement au Salon après son installation en France en 1949 et cofonde le mouvement Arte Generativo, un courant d’art optique dont le nom fait explicitement référence au concept de générativité. François Morellet, quant à lui, expose à plusieurs reprises au Salon. Son approche systématique, sérielle et fondée sur des règles fait de lui un important précurseur conceptuel de l’art génératif.
Pour revenir à la seconde partie de votre question, j’utilise principalement l’art génératif comme un outil, en m’appuyant sur l’une des bibliothèques JavaScript les plus populaires, spécialement conçue pour le creative coding : P5.js. Ma propre pratique ne peut donc pas être considérée comme relevant d’un art génératif orthodoxe, puisque mon intervention directe — le human in the loop — est presque toujours présente dans le résultat final. Les résultats sont certes guidés par différentes règles et différents paramètres, mais ceux-ci sont également soumis à mon regard, à mes choix et à ma sélection finale. Cet aspect est loin d’être négligeable. Une œuvre d’art ne se définit pas uniquement par son exécution manuelle, mais aussi par l’ensemble des décisions prises tout au long de son processus de création.
CG Si vous vous situez dans la lignée numérique de l’art génératif vous en modifiez les résultats en intervenant manuellement, est-ce que cela vous vous rapproche d’une esthétique picturale ?
AK Oui, absolument. Je considère ces œuvres comme de la peinture numérique, ou tout simplement comme de la peinture. J’ai personnellement bénéficié d’une solide formation artistique traditionnelle. Dès mon plus jeune âge, j’ai eu accès à toutes sortes de matériaux et de techniques artistiques — mon père étant lui-même artiste — notamment à la peinture à l’huile et à la toile. Plus tard, à l’adolescence, j’ai fréquenté le lycée des beaux-arts de ma ville natale, où je me suis spécialisé en arts graphiques et en techniques d’impression durant ma dernière année.
J’ai ensuite poursuivi mes études à Vienne, à l’Université des arts appliqués (Die Angewandte). C’est d’ailleurs presque immédiatement que j’ai été fasciné par les ordinateurs Macintosh disponibles dans le laboratoire informatique de l’université. Cet intérêt s’est progressivement développé au fil des années et, depuis une dizaine d’années, je travaille presque exclusivement en numérique. Cette évolution s’est particulièrement affirmée avec l’apparition de la première génération d’iPad Pro et de l’Apple Pencil, puis, peu après, du Wacom Cintiq 27QHDT associé à l’Art Pen. Avec ces deux dispositifs, le processus relève incontestablement de la peinture.
Je veux dire par là que je connais les deux approches, traditionnelle et numérique. Je ne prétendrais pas qu’elles sont identiques, mais cette nouvelle forme de peinture me correspond parfaitement. J’ai toujours aimé expérimenter, et la peinture numérique se prête particulièrement bien à ce type d’exploration. Par ailleurs, l’art numérique est extrêmement diversifié, tout comme l’art traditionnel, peut-être même davantage.